Categoria: Notícias

A edição desta semana de Concertos UFRJ convida a um delicioso passeio pelos primórdios da ópera. Em destaque “Il ballo delle ingrate” (A dança das senhoras ingratas, em tradução livre), obra escrita por Monteverdi em 1608 para as celebrações do casamento de Francesco Gonzaga (filho do seu patrono, o Duque Vincenzo de Mântua) e Margarida de Saboia. O libreto é de Ottavio Rinuccini, nobre e poeta italiano do final do Renascimento.

Na estreia o Duque e filho chegaram a integrar o elenco. Monteverdi compôs ainda para a mesma ocasião a música para o prólogo de jogo “Guarini L’idropica” e a ópera “L’Arianna”, a partir outro libreto de Rinuccini.  Aliás, deve-se ao poeta o texto do que muitos consideram a primeira ópera: “Dafne” (1597), com música de Jacopo Peri.

	Ouça aqui o programa:
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	Toda segunda-feira, às 22h, tem “Concertos UFRJ” na Roquette Pinto FM. Sintonize 94,1 ou acompanhe pela internet! Programas anteriores podem ser encontrados na seção .

O italiano Claudio Monteverdi (1567-1643) é, com justiça, considerado uma das personalidades modulares da história da música ocidental. Em suas óperas e madrigais desenvolveu um estilo em que a orquestra além de acompanhar as vozes, desempenha um papel independente no desenvolvimento dramático. É o chamado concertato, cujo significado deriva do verbo italiano concertare e significa entrar em acordo. Essa abordagem se manifesta, sobretudo, nas obras do quinto ao oitavo livro de madrigais seculares publicados pelo compositor entre 1605 e 1638. No último, intitulado “Madrigali Guerrieri, et amorosi”, apresenta uma incrível variedade de peças destinadas a diferentes formações, duas das quais marcaram o desenvolvimento dos gêneros musicais representativos: “Il combattimento di Tancredi e Clorinda” e o “Il ballo delle ingrate”.

Nelas elaborou uma nova forma de recitativo, o concitato (ou excitado), onde as cordas acompanham as vozes com notas repetidas em figurações rápidas para ressaltar os momentos marcantes do curso dramático. Suas grandes inovações para a orquestra foram a emancipação do conjunto em relação às partes vocais e o desenvolvimento da escrita instrumental. “Il ballo delle ingrate” é ainda uma composição hibrida, em que se mesclam elementos da ópera, do ballet e do madrigal ? uma espécie de ballet semidramático em que os recitativos assumem grande relevo, como, aliás, típico das primeiras óperas.

A versão impressa provavelmente contém revisões que o musicólogo Paolo Fabbri acredita foram feitas para as comemorações da coroação do imperador Fernando III, em 1636. A súbita morte do antecessor teria obrigado Monteverdi, sob pressão dos acontecimentos, a reelaborar o material de o “Ballo delle ingrato”. A escrita virtuosística para o baixo Plutão denuncia, por exemplo, mais o estilo das suas últimas produções do que a simplicidade do seu famoso “L’Orfeo” (1607), “favola in musica” considerada pela crítica a primeira obra-prima do gênero operístico.

A versão veiculada no programa trouxe Patrizia Vaccari (soprano), no papel de Cupido; Gloria Banditelli (mezzo-soprano), como Vênus; Antonio Abete (baixo), como Plutão; e Maura Pederzoli (soprano), como uma das senhoras ingratas. Sergio Vartolo conduz a Orquestra da Capela Musical de São Petrônio de Bolonha.

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Concertos UFRJ resultam de um convênio da UFRJ com a rádio Roquette Pinto, indo ao ar toda segunda-feira, às 22h, na sintonia 94.1 FM. Apresentado por André Cardoso, regente titular da OSUFRJ, as edições podem ser acompanhadas on line ou por meio do podcast (áudio sob demanda) da Roquette Pinto (FM 94,1).

Contatos através do endereço eletrônico: concertosufrj@musica.ufrj.br.

Concertos UFRJ reprisam esta semana o especial dedicado à Così fan tutte, divertidíssimo “dramma giocoso” em dois atos de W. A. Mozart – criação emblemática do compositor austríaco, uma das personalidades mais originais da música de todos os tempos.

A produção operística de Mozart (1756-1791) chegou ao ápice em parceria com o libretista Lorenzo Da Ponte. A dupla nos legou três títulos que representam o melhor da produção do século XVIII: Le nozze di Figaro, Così fan tutte e Don Giovanni.

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O compositor possuía uma habilidade especial para caracterizar musicalmente cada personagem, sentimentos e situações dramáticas. O libreto de Così fan tutte, ossia La scuola degli amanti (“Assim fazem todas, ou A escola dos amantes”, em italiano), que em uma abordagem superficial pode parecer frívolo ou desprovido de interesse, é, na verdade um presente para a criatividade dos intérpretes. A alternância de situações dramáticas exige dos cantores nuances de interpretação e capacidade para contrastar os sentimentos reais, que mudam ao longo da trama, com momentos de paródia e disfarce, típicos da ópera buffa e cujas raízes mergulham na tradição do teatro popular e da Commedia dell’arte.

Há personagens riquíssimos. O cético e malicioso Don Alfonso, manipulador das demais e capaz de explorar como ninguém as fragilidades humanas; as irmãs Dorabella e Fiordiligi, que se deixam seduzir menos ou mais facilmente; Guglielmo e Ferrando, os amantes convictos da fidelidade de suas amadas e que acabam desiludidos; e, por fim, Despina, a empregada cúmplice de Don Alfonso sempre pronta a tirar proveito de qualquer situação. A trama, que envolve a troca dos casais, momentos de sedução, traição e reconciliação, de certa forma, deixa mais dúvidas que certezas, pois, apesar de reconciliados, paira sobre eles certa sombra de dúvida. Afinal, como faz questão de afirmar Don Alfonso: por hábito, vício ou necessidade do coração ASSIM FAZEM TODAS (ou todos!).

A gravação ao vivo no Teatro Comunale, de Ferrara, 1992, traz o maestro John Eliot Gardiner a frente do The English Baroque Soloists e do Coro Monteverdi. Os solistas são Amanda Roocroft, como Fiordiligi, Rodney Gilfry, como Guglielmo, Rosa Mannion, como Dorabella, Rainer Trost, como Ferrando, Eirian James, Despina, e Carlos Feller, como Don. Alfonso.

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Carmela, de Araújo Vianna, é o destaque desta semana de Concertos UFRJ. Personalidade musical mais importante de sua geração no Rio Grande do Sul, o compositor escreveu mais uma ópera e peças apreciáveis para piano, para canto e piano, para instrumentos de cordas e para orquestra.

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Araújo Vianna

José de Araújo Vianna nasceu em Porto Alegre em 1871 e, seguindo tradição familiar, estudou música desde criança, tornando-se um pianista e camerista atuante na vida cultural da cidade. Co-fundador da Orquestra Filarmônica Portoalegrense (1887), devido ao interesse pela composição, viajou em 1893 para Milão, Itália, onde estudou no Real Conservatório com Amintore Galli (1845-1919) e Vincenzo Ferroni (1858-1934) e, posteriormente, em Paris, com o compositor francês Jules Massenet (1842-1912). Retornou ao Brasil  quatro anos depois e se estabeleceu na capital gaúcha. Fundou então o Clube Haydn — instituição que desempenhou um papel importante no desenvolvimento da musica gaúcha. Excelente pianista preferiu se dedicar mais ao magistério e, eventualmente, ao acompanhamento de cantores. Realizou diversas viagens a Buenos Aires, São Paulo, além do Rio.

Em 1902 estreou a ópera “Carmela” no Teatro São Pedro, Porto Alegre, que  foi novamente encenada, agora no Teatro Lírico, do Rio de Janeiro, em 1906. Bem acolhida pelo público da então capital da república, alcançou mais quatro récitas. O compositor mereceu ainda um concerto dedicado a suas obras de câmara no Instituto Nacional de Música (INM), precursor da atual Escola de Música da UFRJ.

Em 1908 foi nomeado diretor do Conservatório de Porto Alegre, cargo do qual se licenciou anos depois por motivos de saúde.  Em 1909 viajou em tratamento para a França, retornando já quase paralítico. Em 1913 apresentou uma nova ópera, em três atos, “O Rei Galaor”, em versão de concerto no salão do Jornal do Comércio, no Rio de Janeiro, sob a regência do maestro Provesi. A obra somente foi estreada em sua versão cênica em 1922, no Theatro Municipal do Rio de Janeiro, após a morte do compositor, ocorrida em 1916. Academia Brasileira de Música o escolheu como patrono da cadeira nº 34.

Carmela

A primeira ópera do compositor permaneceu muitos anos sem ser ouvida, já que a partitura,bem como as partes instrumentais, se perderam. Apenas o manuscrito da redução para piano foi encontrado. A partir dele o maestro Ion Bressan, revisor da edição completa das obra de Vianna, a orquestrou novamente — versão apresentada por Concertos UFRJ. Deve-se o libreto a Leopoldo Brígido (1876-1947), poeta, jornalista e dramaturgo, e a versão italiana a Ettore Malagutti (1871-1925), pintor, desenhista, poeta e pianista ítalo-brasileiro.

A ação, em um ato, transcorre em uma aldeia de pescadores perto de Nápoles. Ruffo avista um barco que atraca na Ilha de Capri. Dele descem o Padre e Carmela, que vem visitar a mãe. Após o desembarque ele zomba de Renzo e do amor que este sente pela jovem. O Padre o repreende, louva a bondade dela e afirma que Renzo é homem digno. Logo mais o Padre consola Carmela e pergunta as causas dos seus sofrimentos. Ela responde que são consequências de uma infância marcada por pai bêbado que maltratava a mãe. Renzo suplica que Carmela aceite seu amor, mas a ela insiste que em seu coração há lugar apenas para a dor.

Após a saída de Carmela e do Padre. os pescadores se reúnem na praia ao som de uma tarantella. Ruffo, bêbado, volta a implicar com Renzo e insinua conhecer segredos de Carmela. É, então, desafiado por Renzo que, na luta, acaba traiçoeiramente apunhalado pelas costas. Mortalmente ferido clama por Carmela, que é trazida ao local. Desesperada, ela implora por sua vida e revela que sempre o amou. Renzo, tomado de profunda alegria, morre nos braços da amada.

A gravação apresentada traz nos papéis principais Adriana de Almeida, soprano, como Carmela; Juremir Vieira, tenor, como Renzo; Carlos Carzoglio, barítono, como Ruffo; e Ariel Cazes, como Padre. O Coro e a Orquestra são da Sinfônica da Porto Alegre (Ospa) dirigidos pelo maestro Ion Bressan.

Concertos UFRJ resultam de um convênio da UFRJ com a rádio Roquette Pinto, indo ao ar toda segunda-feira, às 22h, na sintonia 94.1 FM. Apresentado por André Cardoso, regente titular da OSUFRJ, as edições podem ser acompanhadas on line ou por meio do podcast (áudio sob demanda) da Roquette Pinto (FM 94,1).

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A de Concertos UFRJ abordou a música para o cinema, com destaque para peças Gershwin e Prokofiev incluídas em trilhas sonoras de obras famosas. Nesta semana a atração é a música de concerto brasileira composta para as telas. No programa, duas suítes construídas a partir de trilhas anteriores: “Descobrimento do Brasil”, de Heitor Villa-Lobos, escrita para o filme homônimo de Humberto Mauro; e “Villa-Rica”, de Camargo Guarnieri.

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Descobrimento do Brasil

“Descobrimento do Brasil”, produzido em 1936, é um filme de Humberto Mauro (1897-1983), pioneiro do cinema brasileiro que influenciará a geração do chamado Cinema Novo, nos anos 1960. Em forma de documentário ficcional, narrado a partir de textos extraídos da Carta de Pero Vaz de Caminha, conta a chegada da frota portuguesa às costas brasileiras, em 1500. Para a cena da primeira missa, o cineasta reproduziu o conhecido quadro de Victor Meirelles. “Descobrimento do Brasil” representou o Brasil no Festival de Veneza de 1938.

O filme foi patrocinado pelo Instituto Nacional do Cinema Educativo (Ince), a primeira instituição voltada para esta área criada no país. A proposta, transformar o cinema em instrumento avançado de educação. O órgão foi fundado em 1936 e estava subordinado ao Ministério da Educação e Saúde Pública, cujo ministro era Gustavo Capanema. Seu primeiro diretor foi Edgard Roquette-Pinto, antropólogo e positivista identificado com o Estado Novo, que o dirigiu até 1947. Subjacente, o projeto da construção de um país “extraordinário”, forjado de cima para baixo, a partir do Estado, onde a natureza seria, mais uma vez, signo da nossa grandiosidade.

“Descobrimento do Brasil” é, portanto, um épico que conta uma história oficial, bem a gosto da ditadura varguista, embora tenha sido elogiado por ninguém menos que Graciliano Ramos, escritor que de forma alguma pode ser associado a esta matriz política. “Temos enfim um trabalho sério, um trabalho decente: a carta de Pero Vaz reproduzida em figuras, com admiráveis cenas, especialmente as que exibem multidão”, afirmou. A produção alacançou um grande êxito sendo largamente exibida.

A trilha sonora de Heitor Vila-Lobos (1887-1059), por sua vez, ressalta o caráter grandioso do filme. Da obra original, com duração de 90 minutos, o compositor extraiu mais tarde quatro suítes, sendo a última delas a mais comumente executada de forma independente nas salas de concertos.

Imagens: Reprodução
O épico de Humberto Mauro foi restaurado em 1997 e está novamente disponível para os cinéfilos e estudiosos do cinema.

Dividida em duas partes; a primeira, “Procissão da Cruz”, remete ao momento em que os portugueses, após o desembarque, caminham pela nova terra. O coro masculino, que canta em latim, contrasta com o misto que entoa melodias originais indígenas recolhidas por Roquette Pinto. Na segunda, denominada “Primeira Missa no Brasil”, textos tradicionais eclesiásticos, como o “Tantum Ergo”, hino medieval atribuído a Tomás de Aquino, e “Kyrie”, uma das partes da missa, são sobrepostos às vozes femininas, que figuram as índias. Elas entoam sons onomatopaicos, à maneira de vocábulos tupis. Recurso, aliás, que Villa-Lobos adotará outras vezes, como no seu “Noneto” e no Choros n^o 10, “Rasga o Coração”.

A interpretação veiculada foi a do maestro Roberto Duarte à frente do Coro Filarmônico Eslovaco e da Orquestra Sinfônica da Rádio Eslovaca da Bratislava.

Suíte Villa-Rica

A Suíte Villa-Rica, do paulista Camargo Guarnieri, foi estruturada a partir de trechos da trilha sonora do filme “Rebelião em Villa-Rica”, produzido em 1957 pelos irmãos José Geraldo e José Renato Pereira, que desenvolveram carreira voltada para as tradições culturais de seu estado natal, Minas Gerais.

	Foto: Reprodução
	Villa-Rica teria sido o único trabalho de Guarnieri para um longa-metragem.

O enredo conta a história (ficcional, mas baseada em fatos reais) de uma revolta de estudantes mineiros nos anos 1940, durante o Estado Novo, fazendo analogia desses acontecimentos com os da Inconfidência Mineira. Decorridos quase dois séculos, na mesma cidade e nos mesmos logradouros e edifícios históricos, um grupo de estudantes da Escola de Minas e Metalurgia de Ouro Preto, a antiga Villa-Rica, rebela-se contra a tentativa de transferência da faculdade para outra cidade e passa a conspirar contra os atos arbitrários da instituição. O líder estudantil é conhecido como Xavier e são seus companheiros o poeta Gonzaga, estudante, noivo de Marília, a musa inspiradora dos novos inconfidentes. O diretor da faculdade, Furtado, decreta o aumento das anuidades e a cobrança dos atrasados devidos pelos estudantes. Seus atos provocam uma onda de revoltas, que resulta na tentativa de ocupação da faculdade pelos universitários.

Da trilha original, Guarnieri (1907-1993) aproveitou dez números para a organização de sua suíte, mas reestruturou a ordem dos movimentos de modo a adequá-los a uma sala de concerto. A linguagem nacionalista típica do compositor é evidente. Estão presentes a seresta, a valsa e até um baião, com destaque para os solos de flauta, oboé e clarineta. A peça é instrumentada para grande orquestra, com a adição de instrumentos rítmicos brasileiros na seção da percussão. Todo o material temático é original, com exceção do quinto movimento, que aproveita uma melodia folclórica mineira. A estreia aconteceu no Rio de Janeiro em 1958, executada pela Orquestra Sinfônica Brasileira (OSB), com regência do próprio Guarnieri.

Já no programa, foi interpretada pela Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo (Osesp), sob a batuta de John Neschling.

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Concertos UFRJ resultam de um convênio da UFRJ com a rádio Roquette Pinto, indo ao ar toda segunda-feira, às 22h, na sintonia 94.1 FM. Apresentado por André Cardoso, regente titular da OSUFRJ, as edições podem ser acompanhadas on line ou por meio do podcast (áudio sob demanda) da Roquette Pinto (FM 94,1).

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O programa desta semana destaca duas peças que fizeram parte de trilhas sonoras de filmes famosos e, ao mesmo tempo, entraram para o repertório de concerto: “Um americano em Paris”, de George Gershwin; e “Alexander Nevsky”, de Serguei Prokofiev. Obras contrastantes, tanto quanto aos aspectos formais e musicais, como pelas circunstâncias em que foram criadas e intenções subjacentes.

	Ouça aqui o programa:
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Gershwin

“Um americano em Paris” foi composto por encomenda da Orquestra Filarmônica de Nova York, em 1928, como uma espécie de poema-sinfônico que, segundo Gershwin, procura representar as impressões de um norte-americano ao conhecer a Cidade Luz. Temas característicos evocam o turista passeando pelos Champs-Elysées, sentando em um café no Quartier Latin em uma tarde parisiense, flanando pela capital francesa. Em certo momento, um blues nostálgico evoca os Estados Unidos, para logo a seguir ser interrompido por um charleston que retoma o clima frenético de Paris. É uma música leve, brilhante e contagiante, típica do autor da “Rapsody in Blue”.

Mais de duas décadas depois, em 1951, Vincent Minnelli incorporou várias canções de Gershwin à trilha sonora de um filme que dirigiu, protagonizado por Geny Kelly e Leslie Caron. Entre elas, “Um americano em Paris”, música adotada com certas liberdades para o número de dança central, o clímax da obra, que dura 16 minutos.  O musical, considerado um dos 25 melhores da história do cinema norte-americano, acabou recebendo o mesmo título da composição de Gershwin e ganhou nada menos que seis estatuetas do Oscar, incluindo as de melhor filme e melhor trilha. A gravação apresentada em Concertos UFRJ foi a da Orquestra Sinfônica de Chicago com a regência de James Levine.

Prokofiev

Já a cantata “Alexander Nevsky”, de Serguei Prokofiev, seguiu um percurso inverso. O compositor primeiro escreveu a trilha sonora para o filme de mesmo nome de Sergei Eisenstein e, mais tarde, extraiu dela sete movimentos para compor a peça. São duas obras grandiosas, o filme e a música. Curiosa parceria entre dois gênios, que colaborariam ainda nas duas partes de “Ivan, o Terrível”. Prokofiev ia todas as noites à casa de Eisenstein assistir às tomadas do dia e adequar a partitura. Por outro lado, há cenas, como confessou Eisenstein, que foram propositadamente montadas de acordo com a música de Prokofiev.

Fotograma: Reprodução
Início da famosa sequência da Batalha do Gelo no filme de Eisenstein.

Como muitos dos melhores filmes de Eisenstein, “Alexander Nevsky” foi concebido como alegoria à situação política da União Soviética, então sob ameaça da Alemanha de Hitler. A trama se passa no século XIII. Em 1242, a Rússia sofria constantes invasões dos cavaleiros teutônicos, que haviam dominado a cidade Pskov, quando o príncipe Alexander Nevsky (vivido por Nicolay Cherkassov) se engaja na resistência armada e é aclamado comandante.

Depois de vários fracassos Nevsky e seu exército de camponeses conseguem finalmente vencer as tropas inimigas na batalha do Lago Peipus (conhecida como “A Batalha do Gelo”). Numa sequencia hoje considerada antológica, o heroísmo das tropas russas é sublinhado pela magnífica música de Prokofiev: o ímpeto guerreiro da cena permitiu que compusesse uma de suas melodias e orquestrações mais “bárbaras”.

Ironicamente, porém, o filme foi retirado de circulação, a mando de Stalin, por ocasião da assinatura do Pacto Molotov-Ribbentrop, em 1938, logo após ser finalizado. Em 1941, com a invasão dos exércitos nazistas, a situação política mudou drasticamente e a obra voltou às telas com enorme sucesso, tanto na URSS como internacionalmente.

Em 1939 Prokofiev reuniu alguns dos trechos principais de sua composição dando a ela o formato de uma cantata (Op. 78) para solo de mezzo-soprano, coro e orquestra; como, aliás, a costuma ser executada nas salas de concertos. Das 21 partes originais, o compositor selecionou sete: “A Rússia sob domínio mongol”; “A canção de Alexandre Nevsky”; “Os cavaleiros teutônicos em Pskov”; “As armas do povo russo”; “A Batalha do Gelo”; “Os campos da morte” e “A entrada de Alexandre Nevsky em Pskov”. A interpretação veiculada foi a de Elena Obraztsova, com o Coro e a Orquestra da Sinfônica de Londres, sob direção de Claudio Abbado.

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A música dos compositores latino-americanos foi tema de Concertos UFRJ em duas ocasiões. A focou os compositores venezuelanos. O programa desta semana convida a um passeio pela música mexicana que, bastante diversificada, comporta uma gama de diferentes matrizes culturais, em especial a das tradições dos povos indígenas da região e as de origem europeia.

Felipe Villanueva e Juventino Rosas

Felipe Villanueva, violinista e compositor, nasceu em 1862 e faleceu, ainda jovem, em 1893. Apesar do pouco tempo de vida deixou várias composições orquestrais e peças de fôlego, entre elas algumas óperas. A “Vals Poético”, apresentada pelo programa com a Orquestra Festival do México sob a regência de Enrique Bátiz, é a mais conhecida delas. Possui uma melodia fluente e evocativa, sendo uma das poucas a se manter no repertório.

	Ouça aqui o programa:
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Como Villanueva, Juventino Rosas teve vida curta. Nasceu em 1868 e faleceu com 26 anos em 1894. Suas valsas agradam bastante ainda hoje e costumam ser executadas em concertos populares, ao lado das de Johann Strauss. Entre elas, o programa destacou “Sobre las olas” (Sobre as ondas). A interpretação, mais uma vez, coube à Orquestra Festival do México sob a regência de Enrique Bátiz.

Manuel Ponce

Apesar no sucesso internacional se sua canção “Estrellita”, Manuel Ponce é  reconhecido por sua vasta produção para o violão. Ponce nasceu no estado de Zacatecas, em 1882, e morreu em 1948. Um dos mais importantes compositores nacionalistas mexicanos, adotou com frequência elementos da música popular. De Manuel Ponce Concertos UFRJ pinçaram a gravação do primeiro movimento da “Sonatina Meridional” com o violonista francês Gerard Abiton.

Silvestre Revueltas

No século XX o México foi dos países latino-americanos onde a escola nacionalista mais floresceu. O compositor Silvestre Revueltas, um dos mais originais a seguir esta vertente, produz uma obra marcada por impressionante variedade rítmica. Nasceu em 1899 no estado de Durango e estudou no Conservatório Nacional de Música da Cidade do México e, posteriormente, na Faculdade de Música de Chicago. Organizou festivais de música contemporânea em seu país e ocupou posições importantes na vida musical mexicana. Faleceu prematuramente em 1940.

“Sensemayá” (canto para matar uma serpente), certamente sua composição mais importante, toma por base um poema de mesmo nome do poeta cubano Nicolás Guillénente. Os ritmos marcados em compassos de sete tempos dão à obra um impulso irresistível. “Sensemayá” foi apresentada na versão da Orquestra Filarmônica de Nova York, tendo à frente o famoso maestro Leonard Bernstein.

Blas Galindo

Nascido em 1910 em uma aldeia remota na região de Jalisco, Blas Galindo começou relativamente tarde seus estudos musicais. O talento e a dedicação fizeram, porém, com que dominasse em pouco tempo uma grande variedade de técnicas composicionais. Foi diretor do Conservatório Nacional de Música da Cidade do México e membro da Academia Mexicana de Artes. Sua peça mais conhecida “Sones de Mariachi”, escrita para o Museu de Arte Moderna de Nova York, utiliza temas tradicionais mexicanos. O programa levou ao ar a interpretação de Enrique Bátiz com a Orquestra Festival do México.

Carlos Chaves

Compositor mexicano de maior projeção no século XX, Carlos Chaves viveu entre 1899 e 1978. Sua “Sarabanda para cordas” faz parte da suíte do ballet “La Hija de Cólquide”, escrita em 1943 para a companhia de Martha Graham. A versão, mais uma vez, a da Orquestra Festival do México com o maestro Enrique Bátiz.

Pablo Moncayo

“Huapango”, de José Pablo Moncayo, talvez seja a peça de autor mexicano mais executada pelas orquestras em todo o mundo. O compositor nasceu na cidade de Guadalajara em 1912 e, em uma viagem na companhia de Blas Galindo à região de Alvarado, recolheu canções de ritmos variados do povo de Huapango, que desenvolveu posteriormente numa partitura onde esses temas populares passeiam por toda a orquestra, com destaque para os solos de trompete e trombone. A gravação que foi ao ar trouxe o maestro Maximiano Valdes à frente da conhecida Orquestra Sinfônica Simon Bolívar da Venezuela.

Arturo Marquez

O último compositor abordado, Arturo Marquez, é um dos maiores da atualidade latino-americana.  Nasceu em 1950 e, ao longo da carreira, recebeu inúmeros prêmios internacionais e condecorações em seu país. Sua formação musical inclui estudos no México, nos Estados Unidos e na França.

No início dos anos 1990 começou a escrever sua série de “Danzones” em que utiliza temas cubanos e da região mexicana de Veracruz como base. A mais executada dessas peças, a Danzón no. 2, acabou popularizada pela Orquestra Sinfônica Simón Bolívar da Venezuela que, em suas tournées pelos Estados Unidos e Europa com o maestro Gustavo Dudamel, a executou com frequência. A interpretação veiculada foi, porém outra, a Orquestra Sinfônica de Minería, sob a direção de José Arcam.

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