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Purcell  inaugura a ópera nacional inglesa

Uma das mais importantes obras do período barroco, Dido e Enéas, ópera em três atos de Henry Purcell, foi apresentada na íntegra na edição especial de Concertos UFRJ, veiculada em 31 de janeiro. Resultado de um convênio da UFRJ com a emissora, a série Concertos UFRJ vai ao ar toda segunda-feira, às 22h, pela rádio Roquette Pinto, na sintonia 94,1 FM. A condução do programa é de André Cardoso, docente da Escola de Música (EM) e regente titular da Orquestra Sinfônica da UFRJ (OSUFRJ).

	Ouça aqui o programa:
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	Toda segunda-feira, às 22h, tem “Concertos UFRJ” na Roquette Pinto FM. Sintonize 94,1 ou acompanhe pela internet!Programas anteriores podem ser encontrados na seção .
	{magnify}images/stories/noticias/didoeeneas1000.jpg|Banquete de Dido e Eneas{/magnify}Banquete de Dido e Eneas em manuscrito do século V.

Dido e Enéas é considerada a primeira ópera nacional inglesa, tendo sido a única escrita por Purcell (1659-1695), um dos maiores compositores britânicos de todos os tempos e mestre do barroco. Ainda que tenha vivido pouco, nos deixou um número expressivo de odes para coro e orquestra, cantatas, canções, hinos, serviços, sonatas de câmara e obras para teclado, além de mais de quarenta peças para música de cena. Henry Purcell alcançou em vida relativo prestígio. Foi nomeado, em 1679, organista da abadia de Westminster e da Chapel Royal, em 1682, além de ocupar cargos importantes em várias instituições musicais londrinas.

A ópera foi escrita, em 1689, para o internato feminino Josias Priest, de Chelsea, Londres, a partir de um libretto de Nahum Tate (1652-1715), poeta e dramaturgo inglês. O enredo segue a história de amor entre a lendária rainha de Cartago, Dido, e o refugiado troiano Enéas, narrada no livro IV da Eneida de Virgílio. Quando o mítico herói e sua tropa naufragam em Cartago, ele e a rainha se enamoram. Mas, por inveja, as bruxas conspiram contra os amantes e convencem Enéas a partir, pois seu destino, traçado pelos deuses, é o de fundar uma nova Tróia, a cidade de Roma. Enéas, mesmo blasfemando contra a inclemência dos deuses, aceita seguir viagem e comunica a Dido que partirá naquela manhã. A rainha, esmagada pela dor, imola-se, apesar de Enéas, comovido e mudando o desígnio, afirmar preferir enfrentar a cólera dos deuses a abandoná-la.

A partitura é uma obra-prima de concisão e uma modelo para toda ópera de bolso: a orquestra inclui cordas e contínuo, há uns poucos papéis principais e a duração dos seus três atos não ultrapassa uma hora. Nela, Purcell incorporou tanto os desenvolvimentos da escola inglesa do século XVII, como influências musicais continentais. Combina, por exemplo, danças e coros, elementos próprios da tradição francesa, com árias que seguem em geral os modelos das óperas barrocas italianas. Os recitativos, por seu turno, a cavaleiro das tradições francesas e italianas, nada têm de artificial – são livres, melódicos e plasticamente moldados ao texto.

A abertura é francesa: um adágio solene inicial dá lugar a uma seção mais animada que introduz a cena. Já os coros homofónicos construídos com base em ritmos de dança, recordam os de Lully, assim como o minueto do coro Fear não danger to ensue (“Não temas os perigos que possam vir”). No entanto, cabe salientar a melodia tipicamente inglesa de Pursue thy conquest, Love (“Persegue tua conquista, Amor”) e a do coro Come away, fellow sailors (“Vinde, camaradas de marinheiros”), no início do terceiro ato. Esta alegre e singela canção marinheira carrega evidente matiz popular.

Algumas árias da ópera foram construídas sobre um baixo ostinato. A última delas, e a mais importante, é o famoso lamento de Dido: When I am laid in earth (“Quando eu descer à terra”), uma das mais tocantes de todo repertório lírico. Nela, além do ostinato, os intervalos descendentes e as harmonias com retardos intensificam o infortúnio da rainha.

O coro final, With drooping wings (“Com asas caídas”) parece inspirado no de Vénus and Adonis, de Blow – de quem Purcell foi, aliás, discípulo. Possui forte caráter elegíaco, sugerido pelo uso de escalas menores descendentes e pelas impressionantes pausas após a expressão “never part” (“nunca parta”).

Na versão transmitida, Ann Murray encarna o papel de Dido, Anton Schartinger o de Enéas, Rachel Yakar é Belinda, Trundeliese Schmidt, a Feiticeira, Elisabeth von Magnus e Helrun Gardow são as Bruxas, Paul Esswood, o Espírito e Josef Köstlinger, o Marinheiro. Participa também da montagem o Coro Arnold Schoenberg, dirigido por Erwin Ortner, e Nikolaus Harnoncourt rege o Concentus Musicus de Viena.

As edições do programa Concertos UFRJ podem ser acompanhadas on line ou por meio do podcast (áudio sob demanda) da Roquette Pinto (FM 94,1). Contatos através do endereço eletrônico: concertosufrj@musica.ufrj.br.

	Ouça aqui o programa:
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	Toda segunda-feira, às 22h, tem “Concertos UFRJ” na Roquette Pinto FM. Sintonize 94,1 ou acompanhe pela internet! Programas anteriores podem ser encontrados na seção .

O repertório de câmara, um dos gêneros mais importantes da música de concerto, foi o tema da edição de Concertos UFRJ, veiculada no dia 24 de janeiro. No programa, obras de Haydn, Villa-Lobos, Vera Brandão e Poulec. Resultado de um convênio da UFRJ com a Roquette Pinto, a série Concertos UFRJ vai ao ar toda segunda-feira, às 22h, na sintonia 94.1 FM, sob o comando de André Cardoso, docente da Escola de Música (EM) e regente titular da Orquestra Sinfônica da UFRJ (OSUFRJ).

A expressão música de câmara denota usualmente peças escritas para pequenos conjuntos instrumentais e destinadas à execução em salas de concerto menores e para platéias reduzidas. O gênero ganhou impulso significativo com o classicismo. Entre quartetos de cordas, sonatas e obras para vários tipos de conjuntos com ou sem piano, a diversidade da criação no final do século XVIII é impressionante. O público consumidor deste tipo de música incluía tanto a aristocracia como a burguesia culta, sendo as cortes e os salões em voga os espaços privilegiados para sua audição.

Com o tempo se acumulou um sofisticado e vasto repertório e se desenvolveu uma série de formações instrumentais e tímbricas características. Nessa trajetória, cabe lugar de destaque o austríaco Joseph Haydn (1732-1809), mestre do classicismo vienense e compositor intensamente profícuo. Haydn tem sido apontado como o responsável pela consolidação de formações, hoje tradicionais, como trio com piano, para a qual escreveu 45 peças, e quarteto de cordas, a qual dedicou nada menos do que 68 partituras – uma produção não só volumosa, mas de elevado nível de sofisticação e requintada expressão artística. O programa apresenta o Trio em sol maior para violino, violoncelo e piano H. XV no. 25, dos mais conhecidos do compositor, cujo subtítulo “Cigano”, deriva do último movimento, um Rondo all’Ongarese, inspirado na música popular húngara que Haydn conheceu quando a serviço do príncipe Eszterházy, seu patrono.

Bem distante das preocupações clássicas, o Sexteto Místico de Heitor Villa-Lobos (1887-1959) adota uma formação inusitada: flauta, oboé, saxofone, harpa, celesta e violão. Composta em 1917, nele transparece a influência do impressionismo francês e é evidente a busca por horizontes mais amplos do que os oferecidos pelo romantismo, que se expressa de forma contundente na adoção da harpa, do violão e da celesta como instrumentos harmônicos em detrimento do piano.

A terceira obra apresentada por Concertos UFRJ foi o Duo para oboé e violoncelo de José Vieira Brandão (1911-2002). Formado no Instituto Nacional de Música, atual Escola de Música da UFRJ, a trajetória de Brandão está intimamente vinculada ao nacionalismo de Villa-Lobos, do qual foi assistente no Conservatório Nacional de Canto Orfeônico e primeiro intérprete de várias de suas obras.

O programa se encerra com o Sexteto para piano, flauta, oboé, clarineta, fagote e trompa de Francis Poulenc (1899-1963), compositor francês que integrou o chamado Grupo dos Seis (Les Six). Inspirados em Erik Satie e Jean Cocteau e na contramão das experiências das vanguardas e dos modernismos, esses autores propunham o regresso à melodia, ao contraponto e ao sistema total, além de valorizarem a precisão, a simplicidade e a concisão.

As edições do programa Concertos UFRJ podem ser acompanhadas on line ou por meio do podcast (áudio sob demanda) da Roquette Pinto (FM 94,1). Contatos através do endereço eletrônico: concertosufrj@musica.ufrj.br.

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Um passeio através do rico repertório para piano a quatro mãos é o convite da vigésima-quinta edição de Concertos UFRJ, que foi ao ar no dia 17 de janeiro. Apresentado por André Cardoso, docente e diretor da Escola de Música (EM), o programa é resultado de uma parceria da UFRJ com a Roquette Pinto e é veiculado toda segunda-feira, às 22h, na sintonia 94,1 FM.

Os primeiros pianofortes, ou apenas pianos, forma abreviada como são mais conhecidos, foram fabricados em 1698 por Bartolomeo Cristofori, encarregado de instrumentos da corte dos Médici em Florença que o chamou de gravecembalo col piano e forte (“cravo com suave e forte”). A característica de soar suave ou forte, conforme a pressão dos dedos sobre o teclado, o que conduz a uma vasta gama expressiva, assim como a possibilidade de produzir dez ou mais notas de uma vez, permite o instrumento executar praticamente qualquer tipo de música da tradição ocidental. Introspectivo ou expressivo, alegre ou triste, refinado ou burlesco não parece existir estado d’alma ou sentimento que não possa representar.

As primeiras obras para teclado e dois executantes datam do início do séc. XVII e foram escritas por músicos ingleses, mas os frágeis instrumentos da época não permitiram maiores desenvolvimentos. No período clássico, quando o piano suplantou o cravo na preferência dos compositores, esse repertório ganha impulso, paralelamente ao desenvolvimento técnico do instrumento e ao aumento de sua extensão. São, porém, os músicos românticos, que fizeram do piano o meio privilegiado de expressão, que darão a esse tipo de peça um desenvolvimento extraordinário e farão dele uma das modalidades mais significativas da música de câmara.

Certo é que formação oferece enormes desafios técnicos e expressivos. A edição de Concertos UFRJ destaca conjuntos de pianistas que dedicaram a carreira a enfrentá-los. O primeiro deles, o duo composto pelos irmãos alemães Alfons (1931) e Aloys Kontarsky (1932-2010), foi um dos mais aclamados do século passado e nos deixou inúmeras gravações magistrais. O duo Kontarsky executa a Fantasia em Fá menor D.940 de Franz Schubert (1797-1828), peça das mais emblemáticas do piano a quatro mãos.

Já Celina Szrvinsk e Miguel Rosselini apresentam duas obras francesas da virada do séc. XIX para o XX – um momento pródigo para a produção destinada ao piano. E, ambas, tomam o universo infantil por referência: a Suite Dolly op. 56, em seis pequenos movimentos, de Gabriel Faurée (1845-1924), e a Suite “Ma Mère l’oye” (Mamãe Ganso), em cinco movimentos, de Maurice Ravel (1876-1946).

Encerrando programa, uma mostra da produção brasileira: O lundu, para piano a quatro mãos, de Francisco Mignone (1897- 1986) na interpretação das pianistas Patrícia Bretas e Josiane Kevorkian.

As edições do programa Concertos UFRJ podem ser acompanhadas on line ou por meio do podcast (áudio sob demanda) da Roquette Pinto (FM 94,1). Contatos através do endereço eletrônico: concertosufrj@musica.ufrj.br.

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Um passeio pela música de ballet é a proposta da vigésima-terceira edição de Concertos UFRJ, que foi veiculada em três de janeiro e abre a temporada 2011 do programa radiofônico. Apresentado por André Cardoso, docente e diretor da Escola de Música, a iniciativa é resultado de uma parceria da UFRJ com a Roquette Pinto e vai ao ar toda segunda-feira, às 22h, na sintonia 94,1 FM.

O ballet surge na Itália no final do século XV, durante o Renascimento, como divertimento da nobreza: uma forma de espetáculo em que música, pantomimas e danças se misturavam. Mas foi ao migrar para a França, em um processo que levou décadas, que ganhou vocabulário próprio e alcançou a padronização dos passos que, no essencial, perdura até hoje.

Concertos UFRJ propõem uma seleção de trechos de três obras que são, inegavelmente, grandes clássicos da dança de todos os tempos. A primeira delas é Giselle, ballet em dois atos que representa o arquétipo do romantismo francês e que foi ao palco pela primeira vez em 1841. Com música de Adolphe Charles Adam (1803-1856), libreto do poeta Théophile Gautier (1811-1872), escrito a partir de argumento de Jules-Henri Vernoy de Saint-Georges (1799-1875), a peça conta a lenda da camponesa Giselle que se mata, ao se descobrir enganada pelo príncipe Albrecht, por quem se apaixonara. O segundo ato passa diante da tumba da camponesa, local guardado pelas willis, fantasmas das noivas que faleceram antes do casamento e que enfeitiçam os que se aproximam obrigando-os a dançar à exaustão. É o que acontece com o nobre arrependido. Giselle, porém, luta para sustentá-lo até que a aurora quebre o encanto. Aos primeiros raios de sol, desaparece para sempre, ao mesmo tempo em que a vida do amado é preservada.

O papel de Giselle é um dos mais cobiçados e difíceis, já que exige tanto perfeição técnica como graça e lirismo. Um tour de force para toda bailarina desde que a famosa Carlotta Grisi (1819-1899) o encarnou pela primeira vez. No entanto, a obra saiu do repertório até que foi remontada em 1910 por Serguei Diaguilev (1872-1929), fundador dos Ballets Russes – importante companhia que encantou plateias na Europa e na América, projetou diversos dançarinos e coreógrafos e, em larga medida, redefiniu a dança na virada do século XIX para o XX. Desde então, Giselle vem merecendo sucessivas montagens.

Aos Ballets Russes devemos também a segunda obra – Les sylphides – abordada no programa. Montado pela primeira vez em 1909, em Paris, para a companhia de Diaguilev, o ballet se baseia em peças do compositor polonês Frédéric Chopin (1810-1849), que foram orquestradas por Alexander Glazunov (1865-1936) e coreografadas por Mikhail Fokine (1880-1942). A estreia contou com figurinos, cenários e iluminação de Alexandre Benoi (1870-1960).

Os interpretes principais foram, na ocasião, nada menos que Anna Pavlova (1881-1931), Tamara Karsavina (1885-1978) e Vaslav Nijinski (1889-1950). Um marco na história da dança, o primeiro ballet abstrato e, no qual, Fokine introduziu técnicas inovadoras. Em Les Sylphides não há propriamente uma narrativa, mas a ação se desenvolve em uma floresta onde um jovem sonhador dança cercado pelas sílfides, criaturas fabulosas que se materializam no ar.

Ao contrário de Giselle e Les sylphides, criações intensamente dramáticas, Coppélia (ou Fille aux yeux d’émail) é um ballet cômico em dois atos e três quadros de Arthur Saint-Léon (1821-1870), sobre libreto de Charles Nuitter (1828-1899), música de Léo Delibes (1836-1891), e inspirado em um conto de Hoffmann (1876-1822).  Foi encenado pela primeira vez na Ópera de Paris, em 1870, tendo Giuseppina Bozzacchi no papel principal.

A ação transcorre em uma aldeia da Cracóvia, na Polónia, e todos se preparam para o casamento Franz com Swanilda, a jovem mais bonita do lugar. Ali vive também o Doutor Coppelius, um misterioso fabricante de brinquedos. O noivo se encanta por uma jovem que, toda tarde, aparece lendo sentada à varanda superior da casa de Coppelius, o que provoca ciúmes de Swanilda e leva a uma deliciosa série de confusões. Os enganos se desfazem, porém, e se descobre que a jovem é, na verdade, a boneca Coppélia, criada com perfeição pelo fabricante de brinquedos. A peça termina alegremente com a celebração do casamento de Swanilda e Franz.

As edições de Concertos UFRJ são resultado de uma parceria da UFRJ com a Roquette Pinto e vai ao ar toda segunda-feira, às 22h, na sintonia 94,1 FM. As edições podem ser acompanhadas on line ou por meio do podcast (áudio sob demanda) da emissora. Contatos através do endereço eletrônico:  concertosufrj@musica.ufrj.br.

	Ouça aqui o programa:
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	Toda segunda-feira, às 22h, tem “Concertos UFRJ” na Roquette Pinto FM. Sintonize 94,1 ou acompanhe pela internet! Programas anteriores podem ser encontrados na seção .

Na última edição de 2010, o programa Concertos UFRJ (Roquette Pinto, 94,1 FM) mostrou uma retrospectiva da temporada artística da Escola de Música (EM), com gravações exclusivas feitas ao vivo com os alunos, muitos dos quais já com significativa bagagem e premiações, e com grandes solistas que se apresentaram ao longo do ano no Salão Leopoldo Miguez. Um convite para viver (ou rever) um pouco da emoção que esses espetáculos proporcionaram.

Foram mais de 250 deles, entre concertos, recitais, concursos e apresentações diversas. Um dos destaques do ano foi o Primeiro Concurso Nacional de Canto Lírico – promovido com objetivo de incentivar e revelar novos talentos. As finais foram realizadas entre 21 e 23 maio e atraiu mais de 80 candidatos. Concertos UFRJ recordaram um pouco aquelas maravilhosas jornadas veiculando gravação ao vivo do soprano Maira Lautert, aluna da EM e terceira colocada, encarnando na final do concurso a Leonora de Il Trovatore, de Verdi, na famosa ária “Tacea la notte placida”, do primeiro ato da ópera.

Outro acontecimento importante, o festival Violão: 30 anos na UFRJ, reuniu grandes nomes nacionais e internacionais do instrumento no mês de outubro. A retrospectiva relembrou os concertos dos convidados especiais Fábio Zanon, Brasil, Gerard Abiton, França, Carlos Perez, México, Gilson Antunes, Brasil, e Pablo Marquez, Argentina, que executaram, respectivamente, obras de Marco Pereira, Sérgio Assad, Antonio Lauro, Elodie Bouny e Gustavo Leguizamón. O festival comemorou três décadas de implantação do curso de violão na UFRJ – criado em 1980, e um dos primeiros em nível universitário no Brasil.

Em outubro ainda, a Escola promoveu a vigésima-quinta edição do Panorama da Música Brasileira Atual, mostra bianual da produção contemporânea criada em 1978 e promovida pela Escola há mais de trinta anos. Para 2010 foi organizado um concurso de composição para o Quinteto Experimental de Sopros da UFRJ, que teve como um dos vencedores Rafael Bezerra, aluno da EM, cuja “Fantasia” ganhou uma primeira audição no Panorama.

Por fim, foram apresentadas as performances premiadas de Laís Frey, primeira colocada no 16º Concurso Nacional de Piano Arnaldo Estrella, de Juiz de Fora, e Antônio Guimarães Neto, vencedor do XXIX Concurso Latino Americano Rosa Mística, em Curitiba.

Conduzido por André Cardoso, docente e diretor da Escola de Música, o programa radiofônico Concertos UFRJ é resultado de uma parceria da UFRJ com a Roquette Pinto e vai ao ar toda segunda-feira, às 22h, na sintonia 94,1 FM. As edições podem ser acompanhadas on line ou por meio do podcast (áudio sob demanda) da emissora. Contatos através do endereço eletrônico: concertosufrj@musica.ufrj.br.

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Para o Natal vários compositores em períodos diversos produziram peças de grande encanto e sentida emoção. Mostrar um pouco desse imenso repertório é a intenção da vigésima primeira edição de Concertos UFRJ veiculada no dia 20 de dezembro. Apresentado por André Cardoso, docente e diretor da Escola de Música (EM), o programa radiofônico é resultado de uma parceria da UFRJ com a Roquette Pinto e vai ao ar toda segunda-feira, às 22h, na sintonia 94,1 FM.

Embora segundo a maioria dos estudiosos não corresponda à verdade histórica, a adoção do dia 25 de dezembro, que assinalava então um conjunto de festividades romanas, como o da celebração do nascimento de Jesus Cristo parece fazer parte do esforço da igreja emergente em cristianizar tradições pagãs. O certo é que, quando o Papa Julius I (337 -352) oficializou a data, ela já havia sido completamente ressignificada com símbolos da nova fé e, paralelamente ao processo de expansão e regulamentação da nova religião, ganhou enorme abrangência.

Umas das formas mais importantes do repertório natalino, as pastorais se originaram na Itália a partir da recriação artística de melodias encantadoras e de enorme apelo executadas por camponeses que, diante de presépios, encenavam a adoração ao menino Jesus. Esse tipo de composição foi particularmente profícua em obras e concertos barrocas, como o caso do concerto op. 3 n^o 12 (Pastorale per il Santissimo Natale), de Francesco Manfredini (1684-1762), importante compositor italiano do período e maestro di cappella, contemporâneo de Antonio Vivaldi, de quem aliás teria sofrido influência. Infelizmente apenas uma parte pequena de sua obra chegou aos nossos dias.

Outro gênero de música natalina muito difundida no barroco são os oratórios – gênero de composição cantada e de conteúdo narrativo, semelhante à ópera quanto à estrutura, pois envolve árias, coros, recitativos, etc., mas dela diferenciando-se por não estar destinado à encenação. Costumam retomar passagens bíblicas do nascimento de Cristo, como no famoso Oratório de Natal, de J. S. Bach (1685-1750). Esta obra escrita em 1734 é composta por seis cantadas, destinas a serem apresentadas em dias diferentes, de acordo com a liturgia luterana do período.

O texto-base é formado por trechos dos Evangelhos segundo São Lucas e São Mateus, complementado com versos de Christian Friedrich Henrici (Picander), e o carácter geral é de glorificação e exaltação do espírito pela chegada do Messias.

No período romântico o gênero foi menos explorado, embora tenham surgido algumas obras notáveis como o Vom Himmel hoch, da komm’ ich her de Mendelssohn (1809-1847), escrita a partir de tradicional canção de Natal alemã, atribuída a Lutero, e cuja melodia também foi usada por Bach em seu oratório de Natal.

Christmas Festival, composta por Leroy Anderson (1908-1975) sobre tradicionais canções de Natal, executa pela Orquestra Sinfônica da UFRJ (OSUFRJ) encerra o programa.

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Lorenzo Fernandez (1897-1948)

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Mostrar um pouco da obra de Lorenzo Fernandez (1897-1948) é o objetivo da vigésima edição de Concertos UFRJ que foi veiculada no dia 13 de dezembro. Apresentado por André Cardoso, diretor da Escola de Música (EM) e regente titular da Orquestra Sinfônica da UFRJ, o programa radiofônico é resultado de uma parceria da UFRJ com a Roquette Pinto e vai ao ar toda segunda-feira, às 22h, na sintonia 94,1 FM.

Oscar Lorenzo Fernandez, filho de pais espanhóis, nasceu no Rio de Janeiro em 1897 e com 20 anos, em 1917, ingressa no Instituto Nacional de Música, atual Escola de Música da UFRJ, onde estudou piano com João Otaviano e iniciou-se em teoria, harmonia, contraponto e fuga com os professores Francisco Braga, Henrique Oswald e Frederico Nascimento, considerado seu mentor artístico.

Em 1923, por ocasião de uma doença de Nascimento, assume como substituto a cadeira de Harmonia, Contraponto e Fuga e Composição, situação que se tornou definitiva após dois anos.

Vasco Mariz divide a produção de Fernandez em três períodos.  O primeiro, que vai de 1918 a 1922, há influência do impressionismo francês, o uso da bitonalidade e a ausência de temática brasileira. O segundo, de 1922 a 1938, considerado o ponto alto de sua obra, há uma forte presença nacionalista, com a utilização de temas folclóricos, que, sem cair no exotismo fácil, valorizam a presença das etnias branca, negra e índia na formação do Brasil, assim como a modernização do país. Por fim, de 1942 até a sua morte, Fernandez assume um tom mais universalista.

Há na produção de Fernandez, ainda segundo Mariz, certa tensão entre o uso racional de temas folclóricos locais e o apelo cosmopolita – o que a torna mais próxima da obra de Alberto Nepomuceno (1864-1920), o fundador do nacionalismo musical brasileiro, que seguiu linhas mais conservadoras na escritura musical, do que propriamente da de Villa-Lobos (1887-1959). Entretanto, isso não impediu que ela fosse apreciada por modernistas da geração heroica do movimento, como Mário Andrade, que assinalou que seu Trio Brasileiro (1924), peça para piano, violino e violoncelo, “revela um artista em plena posse e emprego de sua personalidade poderosa. Nele, Lorenzo Fernandez, inteiramente convertido nos tipos melódicos e rítmicos nacionais, criou uma obra de suma importância que não só marca a etapa definitiva de sua carreira como serve para marar uma data na evolução musical brasileira.”. Nenhuma obra sua, porém, alcançou tanto reconhecimento internacional como o Reisado do Pastoreio (1930), suíte orquestral em três partes que contém o famoso Batuque, que encantou Toscanini e Koussevitzky, e que vem sendo apresentado como peça sinfônica independente, tendo sido gravado por Leonard Bernstein à frente da Filarmônica de Nova York.

Compôs canções, suítes sinfônicas, balés, peças para piano, música de câmara, concertos e sinfonias e representou o país várias vezes no exterior, como regente de diversas orquestras e como conferencista. Fernandez também encabeçou importantes associações musicais como a Sociedade de Cultura Musical, a Academia Brasileira de Música e fundou com Villa Lobos, em 1948, o Conservatório Brasileiro de Música

O compositor faleceu em 27 de agosto de 1948, aos 50 anos, um dia após ter dirigido com a Orquestra  Sinfônica da Escola de Música o concerto comemorativo ao centenário da instituição.

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{besps_c}0|foto0.jpg||Johann Sebastian Bach|{/besps_c}
{besps_c}0|foto1.jpg||Wilhelm Friedemann Bach|{/besps_c}
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{besps_c}0|foto3.jpg||Carl Philipp Emanuel Bach|{/besps_c}
{besps_c}0|foto4.jpg||Johann Christoph Friedrich Bach|{/besps_c}

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	Imagem: Famíla Bach, Toby Edward
	<div > </div> {magnify}images/stories/noticias/bachs_familiy600.jpg| Família Bach , Toby Edward.{/magnify}Representação do séc. XIX da famíla Bach.

O sobrenome Bach está hoje, quase invariavelmente, associado a Johann Sebastian (1685-1750), um dos pilares da tradição musical ocidental. No entanto, a família Bach ofereceu ao mundo outros compositores importantes que, embora não tenham alcançado o patamar do mestre de Leipizig, produziram obras significativas. Concertos UFRJ, que em setembro visitou a produção do seu mais ilustre representante, dedica agora sua décima-nona edição, veiculada em seis de dezembro, a esse clã notável – exemplo jamais superado de talentos musicais concentrados em uma única família.

Apresentado por André Cardoso, diretor da EM e regente titular da Orquestra Sinfônica da UFRJ, o programa radiofônico Concertos UFRJ é resultado de uma parceria da Escola de Música (EM) com a Roquette Pinto e vai ao ar toda segunda-feira, às 22h, na sintonia 94,1 FM.

A extraordinária dinastia musical da família Bach começou com o trisavô de Johann Sebastian, Veit Bach (c 1550 – 1619), e se extinguiu em meados do séc. XVII com seu neto Wilhelm Friedrich Ernst Bach (1759 – 1845). Durante esse período, mais de 70 dos seus membros, segundo o Dicionário Grove de Música, seguiram carreira musical.

Originário de uma região da atual Hungria, Veit Bach, moleiro e músico amador, migrou para a Turíngia, Alemanha Central, por volta de 1545, em decorrência da expulsão dos protestantes. Aí viverá a família Bach, até que os filhos de Johann Sebastian busquem horizontes mais amplos.

Das gerações anteriores a Johann Sebastian, o programa destaca os seus tios-avôs e compositores Johannes Hans Bach (1604-1673) e Heinrich Bach (1615-1692).  Heinrich teve vários filhos músicos, sendo o mais proeminente Johann Christoph Bach (1642-1703), organista e cravista da corte, em Eisenach, e primo em segundo grau de J. S. Bach, segundo o qual teria sido “talentoso tanto na invenção de belas ideias quanto na expressão e palavras” e composto em “um estilo galant, cantábile, com uma textura incomumente rica”.

Da extensa prole de J. S. Bach, quatro filhos se tornaram compositores. Wilhelm Friedemann Bach (1710-1784), o primogênito, demonstrou desde cedo grande talento, embora não tenha conseguido desenvolver uma carreia estável, o que resultou numa vida errante de músico e educador, não raro marcada por adversidades financeiras. Seu estilo oscilou entre o velho e o novo, com características que, não raro, antecipam a tensão emocional do romantismo, ao lado de elementos barrocos “arcaicos”, intimamente relacionado à estética da escola de organistas do norte da Alemanha do final século XVII. Apesar dessa ambivalência estética deixou boa quantidade de peças de excelente qualidade e foi muito apreciado há seu tempo pela notável capacidade de improvisação.

Ao contrário do seu irmão mais velho, o disciplinado Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) viveu 28 anos como músico de Frederico II, o Grande, e, em 1768, sucedeu a Telemann como diretor musical da corte de Hamburgo. Em vida desfrutou de fama e prestígio. Menos influenciado pela música de seu pai do que seu irmão mais velho e fortemente marcado pelo espírito do movimento pré-romântico Sturm und Drang, produziu partituras cheias de mudanças bruscas de temperamento e notas dissonantes, tornando-se o principal representante do estilo Empfindsamkeit (“sentimentalidade”), que exerceu influência decisiva sobre compositores de gerações posteriores como Haydn e Mozart.

Johan Christian Bach (1735-1782) foi o mais novo dos filhos de Johann Sebastian, tendo estudado com o pai e, posteriormente com seu meio-irmão Carl Philipp Emanuel e com seu primo Johann Elias. Em 1754, foi à Itália, aperfeiçoar-se na arte do contraponto com o padre Giovanni Battista Martini e, de 1760 a 1762, trabalhou como organista na catedral de Milão.  Em 1762 transfere-se para Londres, onde alcançou enorme sucesso e ficou conhecido como “o Bach inglês”. Sua música é altamente melódica e estruturada de forma brilhante, destoando da do seu pai e da dos irmãos mais velhos. Ele compôs segundo a estética galant, que incorpora frases balanceadas, com destaque para a melodia e para o acompanhamento, sem muita ênfase na complexidade contrapontística. 

O último filho de Johann Sebastian a tornar-se compositor, Johann Christoph Friedrich Bach (1732-1985), estudou com o pai e com seu primo Johann Elias. Em 1750 foi nomeado, pelo Conde Wilhelm de Schaumburg-Lippe, cravista de Bückeburg e em 1759, spalla. Devido à predileção do nobre pela música italiana, se viu obrigado a adaptar-se, ainda assim retendo traços do estilo do pai. Lamentavelmente, uma parte significativa de sua produção foi perdida na Segunda Guerra Mundial.

As edições do programa Concertos UFRJ podem ser acompanhadas on line ou por meio do podcast (áudio sob demanda) da Roquette Pinto (FM 94,1). Contatos através do endereço eletrônico: concertosufrj@musica.ufrj.br.

Foto: Divulgação

Paulo Sá, convidado especial de Concertos UFRJ

O bandolim e seu repertório de concerto que remonta ao período barroco, mas que é hoje, infelizmente, pouco conhecido, foi o tema de Concertos UFRJ de 29 de novembro. Apresentado por André Cardoso, diretor da EM e regente titular da Orquestra Sinfônica da UFRJ, o programa radiofônico é resultado de uma parceria da Escola de Música (EM) com a Roquette Pinto e vai ao ar toda segunda-feira, às 22h, na sintonia FM 94,1. Como convidado, a edição contou com a participação de Paulo Sá, bandolinista e docente do recente bacharelado no instrumento da EM.

	Ouça aqui o programa:
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	Toda segunda-feira, às 22h, tem “Concertos UFRJ” na Roquette Pinto FM. Sintonize 94,1 ou acompanhe pela internet! Programas anteriores podem ser encontrados na seção .

A origem do bandolim remonta ao séc. XVI, no sul Itália, região de grande influência árabe, e onde, muitas vezes, sucedeu o alaúde. O bandolim apresenta diversas formas, já que cada cidade da península acabou desenvolvendo uma configuração própria, que se diferenciava das demais, pela forma, número e qualidade das cordas e afinação adotada.

A maioria dos autores situam as raízes históricas do bandolim no rabât árabe, bem como na mandora medieval e renascentista. Comumente se distingue dois grupos do instrumento, cada um deles com forma, afinação, técnica de execução e história musical distintas. O bandolim lombardo, milanês, barroco, para o qual Vivaldi (1678-1741) teria composto concertos, é similar a um pequeno alaúde com seis pares de cordas de tripa e, tal como ele, predominantemente tocado com os dedos, sendo que a técnica da execução com palheta somente foi incorporada na segunda metade do séc. XVII e inícios do séc. XVIII. O tipo napolitano, que deu origem ao bandolim contemporâneo, com quatro pares de cordas, designa mais propriamente um instrumento desenvolvido em meados do séc. XVIII.

O Bandolim ganhou lugar na música popular nos Estados Unidos, na América Latina e no Japão. No Brasil, o instrumento chegou através de Portugal, onde tem uma longa tradição, e se adequou particularmente bem aos grupos de choro e a outras formações.

Além de Vivaldi, já mencionado, alguns dos mais importantes compositores da história da música de concerto escreveram para o instrumento, o que é em geral pouco lembrado. Essa nobre linhagem inclui nomes do calibre de Haendel (1685-1759), Mozart (1756-1791), Paisiello (1740-1816), Beethoven (1770-1827), Verdi (1813-1901). No século séc. XX o bandolim foi inserido na formação orquestral por Mahler (1860-1911) em sua 7ª e 8ª Sinfonias e em A Canção da Terra, Schönberg (1874-1951), em sua Serenata Op.24 e Variações Orquestrais Op.31, Webern (1883-1945), em Cinco Peças Orquestrais, Henze (1926), em König Hirsch, e Stravinsky (1882-1971), em Agor.

Entre os grandes compositores brasileiros, merece destaque Radamés Gnattali (1906-1988) que escreveu para o instrumento. Cabe mencionar, entretanto, como lembra Paulo Sá, que o bandolim brasileiro, embora com a mesma afinação do bandolim napolitano, possui um formato diferente, que sugere muito a guitarra portuguesa e permite uma sonoridade mais brilhante.

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Santa Cecília  (1606), Guido Reni.

	Ouça aqui o programa:
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	Toda segunda-feira, às 22h, tem “Concertos UFRJ” na Roquette Pinto FM. Sintonize 94,1 ou acompanhe pela internet! Programas anteriores podem ser encontrados na seção .
	<div > {magnify}images/stories/noticias/stcecilia800.jpg|Santa Cecilia </em> (1606), Guido Reni.{/magnify}Considerada padroeira dos músicos, Santa Cecília frequentemente é representada com instrumentos.

Uma homenagem aos instrumentistas, cantores, compositores e regentes que, com sua arte, preenchem nossas vidas de beleza e alegria é a proposta da décima-sétima edição de Concertos UFRJ, que foi ao ar em 22 de novembro – dia da música e dos músicos. O programa apresentou na ocasião a magnífica Ode para o dia de Santa Cecília, composta por Haendel. Nada mais apropriado.

O dia 22 de novembro é tradicionalmente atribuído à Santa Cecília, mártir da igreja cristã antiga e considerada padroeira dos músicos. As razões, entretanto, que levaram a essa associação são obscuras e segundo o Dicionário Grove de Música quase certamente baseadas na má interpretação de uma passagem nos lendários Atos de Santa Cecília que faz referência a instrumentos musicais. De qualquer forma, uma antiga tradição sustenta que ela era dotada de voz tão doce, que anjos desciam do céu para ouvi-la.

Venerada como padroeira da música e dos músicos, a partir dos séc. XV, Santa Cecília vem sendo representada como tal em gravuras, pinturas e toda sorte de imagens desde então. Cabe assinalar que a música sempre teve papel contraditório na interpretação da lenda de Cecília. Paulatinamente passou a ser pintada sem aureola e mostrada cada vez mais como artista, menos frequentemente sentada ao órgão e, quase sempre, executando instrumentos mundanos. Uma mudança que indica que a prática musical em si mesma estava se convertendo em signo da virtude e tendo como meta o virtuosismo.

Grandes compositores, como Scarlatti (1685-1757), Joseph Haydn (1732-1809), Charles Gounod (1818-1893), G. F. Haendel (1685-1759) e nosso José Maurício Nunes Garcia (1767-1830) lhe dedicaram peças. A Ode para Santa Cecília, cantata composta por Haendel em 1739, sobre texto do em inglês do poeta John Dryden (1631-1700), é certamente uma das mais conhecidas e bonitas.

Georg Friedrich Haendel nasceu em Halle an der Saale na Alemanha e desde cedo mostrou notável talento musical. A primeira parte de sua carreira transcorreu em Hamburgo, como violinista e rejente. Em 1706 viajou para a Itália, onde conheceu a fama pela primeira vez, estreando várias obras com grande sucesso e entrando em contato com músicos importantes. Posteriormente se estabeleceu em Londres onde viveu até falecer. Ali compôs peças instrumentais, óperas e oratórios, e foi aclamado como gênio de seu tempo.

Na Inglaterra se desenvolveram a partir do séc. XVI os festivais cecilianos nos quais se popularizou um repertório importante de odes da corte em louvor à música, feitas por Pucell, Boyce e outros. É nessa fonte que Haendel irá beber ao escrever sua Ode.

Ao contrário do que possa sugerir o título, não se trata propriamente de reverência à santa, mas, antes, uma celebração à música, impregnada de certo sentimento pitagórico de harmonia mundi, na qual esta desempenha papel central como força criadora de tudo que existe. A gravação traz o soprano Dorothee Mields, o tenor Mark Wilde, Alsfelder Vokalensemble, Cocerto Polacco e direção de Wolfgang Helbich.

Apresentado toda segunda-feira, às 22h, por André Cardoso, diretor da Escola de Música (EM) e regente titular da Orquestra Sinfônica da UFRJ (OSUFRJ), Concertos UFRJ é resultado de um convênio da UFRJ com a Rádio Roquette Pinto (FM 94,1). As edições do programa podem ser acompanhadas on line ou por meio do podcast (áudio sob demanda) da Roquette Pinto (FM 94,1). Contatos através do endereço eletrônico: concertosufrj@musica.ufrj.br.